Las raíces del barroco se localizan en el arte italiano, especialmente en la Roma hacia 1630 y se desarrolló en los cuarenta años siguientes. A partir de ese momento se difundió por todas las naciones de Europa.
El arte barroco jugó un papel importante en los conflictos religiosos de este periodo. Frente a la tendencia protestante a construir los edificios para el culto de una manera sobria y sin decoración, la iglesia católica usó para sus fines litúrgico las características del arte barroco.
El papado reaccionó contra la división que provocó la reforma iniciada por Lutero generando el movimiento que se conoció como la contrarreforma. La arquitectura y la escultura y la pintura fueron utilizadas para el prestigio de la autoridad papal e ilustrar las verdaderas de la fe. En este sentido se puede afirmar que el barroco es la expresión estética de la contrarreforma.
- La intención de la representación correcta del espacio y la perspectiva por parte de los pintores en sus obras.
La escultura barroca adquirió el mismo carácter dinámico, sinuoso, expresivo, ornamental, que la arquitectura —con la que llegará a una perfecta simbiosis sobre todo en edificios religiosos—, destacando el movimiento y la expresión, partiendo de una base naturalista pero deformada a capricho del artista. La evolución de la escultura no fue uniforme en todos los países, ya que en ámbitos como España y Alemania, donde el arte gótico había tenido mucho asentamiento —especialmente en la imaginería religiosa—, aún pervivivían ciertas formas estilísticas de la tradición local, mientras que en países donde el Renacimiento había supuesto la implantación de las formas clásicas (Italia y Francia) la perduración de estas es más acentuada. Por temática, junto a la religiosa tuvo bastante importancia la mitológica, sobre todo en palacios, fuentes y jardines.
La pintura barroca tuvo un marcado acento diferenciador geográfico, ya que su desarrollo se produjo por países, en diversas escuelas nacionales cada una con un sello distintivo. Sin embargo, se percibe una influencia común proveniente nuevamente de Italia, donde surgieron dos tendencias contrapuestas: el naturalismo (también llamado caravagismo), basado en la imitación de la realidad natural, con cierto gusto por el claroscuro —el llamado tenebrismo—; y el clasicismo, que es igualmente realista pero con un concepto de la realidad más intelectual e idealizado. Posteriormente, en el llamado «pleno barroco» (segunda mitad del siglo XVII), la pintura evolucionó a un estilo más decorativo, con predominio de la pintura mural y cierta predilección por los efectos ópticos (trompe-l'oeil) y las escenografías lujosas y exuberantes
Entre los más destacadas pintores de este periodo se encuentran:
El arte barroco jugó un papel importante en los conflictos religiosos de este periodo. Frente a la tendencia protestante a construir los edificios para el culto de una manera sobria y sin decoración, la iglesia católica usó para sus fines litúrgico las características del arte barroco.
El papado reaccionó contra la división que provocó la reforma iniciada por Lutero generando el movimiento que se conoció como la contrarreforma. La arquitectura y la escultura y la pintura fueron utilizadas para el prestigio de la autoridad papal e ilustrar las verdaderas de la fe. En este sentido se puede afirmar que el barroco es la expresión estética de la contrarreforma.
La monarquía utilizó la magnificencia de este arte para poder hacer propagandas que los beneficiasen, ya sea en el arte o en la sociedad.
Las características generales del arte barroco son:
- El desarrollo de nuevos géneros como bodegones, paisajes, retratos, vanitas.
- Se a enriquece la iconografía de temas religiosos.
- Existencia de una tendencia y una búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista.
- El color (que predomina sobre la línes), la luz ( que dibuja o difumina los contornos, define también el ambiente, la atmósfera del cuadro, y matiza los colores) y el movimiento, son los elementos que definen la forma pictórica.
-También es característico la energía y la tensión.
- Una intensa espiritualidad aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas.
- La insinuación de enormes espacios es frecuente en la pintura y escultura barrocas.
- El naturalismo.
Las figuras no se representan en los cuadros como simples estereotipos sino de manera individualizada, con su personalidad propia. Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes. La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco -manifestado en las representaciones realistas de la piel y las ropas- hicieron de él uno de los estilos más arraigados del arte occidental.
Algunas semejanzas con el Renacimiento son:
- La intención de la representación correcta del espacio y la perspectiva por parte de los pintores en sus obras.
Arquitectura
La arquitectura barroca asumió unas formas más dinámicas, con una exuberante decoración y un sentido escenográfico de las formas y los volúmenes. Cobró relevancia la modulación del espacio, con preferencia por las curvas cóncavas y convexas, poniendo especial atención en los juegos ópticos (trompe-l'œil) y el punto de vista del espectador. También cobró una gran importancia el urbanismo, debido a los monumentales programas desarrollados por reyes y papas, con un concepto integrador de la arquitectura y el paisaje que buscaba la recreación de un continuum espacial, de la expansión de las formas hacia el infinito, como expresión de unos elevados ideales, sean políticos o religiosos.
Escultura
La escultura barroca adquirió el mismo carácter dinámico, sinuoso, expresivo, ornamental, que la arquitectura —con la que llegará a una perfecta simbiosis sobre todo en edificios religiosos—, destacando el movimiento y la expresión, partiendo de una base naturalista pero deformada a capricho del artista. La evolución de la escultura no fue uniforme en todos los países, ya que en ámbitos como España y Alemania, donde el arte gótico había tenido mucho asentamiento —especialmente en la imaginería religiosa—, aún pervivivían ciertas formas estilísticas de la tradición local, mientras que en países donde el Renacimiento había supuesto la implantación de las formas clásicas (Italia y Francia) la perduración de estas es más acentuada. Por temática, junto a la religiosa tuvo bastante importancia la mitológica, sobre todo en palacios, fuentes y jardines.
Pintura
Entre los más destacadas pintores de este periodo se encuentran:
- Caravaggio.
- Rembrandt
- Rubens.
- Velázquez.
- Poussin.
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