FRAY LUIS DE LEÓN

Fray Luis de León1 (Belmonte, Cuenca, 1527 o 15282 – Madrigal de las Altas Torres, Ávila, 23 de agosto3 de 1591) fue un poeta, humanista y religioso agustino español de la Escuela salmantina.
Fray Luis de León es uno de los escritores más importantes de la segunda fase del Renacimiento español junto con Francisco de Aldana, Alonso de Ercilla, Fernando de Herrera y San Juan de la Cruz. Su obra forma parte de la literatura ascética de la segunda mitad del siglo XVI y está inspirada por el deseo del alma de alejarse de todo lo terrenal para poder alcanzar a Dios, identificado con la paz y el conocimiento. Los temas morales y ascéticos dominan toda su obra.


Biografía
Fray Luis nació en Belmonte en 1527 o 1528. Residió y cursó sus primeros estudios en Madrid y Valladolid, donde su padre, abogado, ejercía la labor de consejero regio. Cuando cumplió los catorce años, marchó a estudiar a Salamanca, ciudad que constituyó el centro de su vida intelectual como profesor de su universidad. Allí ingresó en la Orden de los Agustinos (Orden de San Agustín), probablemente en enero de 1543, y profesó el 29 de enero de 1544.


Actividad intelectual
Como varón comprometido con su tiempo no dejó de lado los problemas del día a día, así que dentro del contexto de los problemas abordados por la Escuela de Salamanca, a la que pertenecía, Fray Luis intervino en la Polémica De auxiliis, junto con el jesuita Prudencio de Montemayor, defendiendo la libertad del hombre, lo que le costó la prohibición de enseñar dichas ideas. Peor librado salió Montemayor, que fue separado de la enseñanza.


Literatura
Sus temas preferidos y personales, si dejamos a un lado los morales y patrióticos que también cultivó ocasionalmente, son, en el largo número de odas que llegó a escribir, el deseo de la soledad y del retiro en la naturaleza (tópico del Beatus Ille), y la búsqueda de paz espiritual y de conocimiento (lo que él llamó la verdad pura sin velo), pues era hombre inquieto, apasionado y vehemente, aquejado por todo tipo de pasiones, y deseaba la soledad, la tranquilidad, la paz y el sosiego antes que toda cosa:
Vivir quiero conmigo,
gozar quiero del bien que debo al cielo,
a solas, sin testigo,
libre de amor, de celo,
de odio, de esperanzas, de recelo.
Este tema se reitera en toda su lírica, la búsqueda de serenidad, de calma, de tranquilidad para una naturaleza que, como la suya, era propensa a la pasión. Y ese consuelo y serenidad lo halla en los cielos o en la naturaleza:
Sierra que vas al cielo
altísima, y que gozas del sosiego
que no conoce el suelo,
adonde el vulgo ciego
ama el morir, ardiendo en vivo fuego:

recíbeme en tu cumbre,
recíbeme, que huyo perseguido
la errada muchedumbre,
el trabajar perdido,
la falsa paz, el mal no merecido.

VIDEO
http://www.youtube.com/watch?v=J-bnjS-ZlBs

ENLACES 
http://www.los-poetas.com/f/frayluis.htm
http://www.poesi.as/Fray_Luis_de_Leon.htm

LA POESÍA DEL SIGLO XVI

Introducción
Se ha dicho y mantenido, que el Renacimiento literario fue una "revolución métrica", en lo que supone de variación, innovación y abandono casi total de las antiguas formas poéticas.


No obstante, el tema amoroso sigue siendo el centro de la actividad lírica, y el Renacimiento poético supuso también introducir una forma nueva de tratar los temas. Por tanto, métrica y temática son dos parámetros fundamentales en esta revolución de la poesía renacentista.


La métrica
La forma culta del verso de arte mayor castellano (dodecasílabo o de doce sílabas), que estuvo presente hasta el siglo XV, es abandonado y sustituido por el endecasílabo (once sílabas) de origen italiano. De la misma forma, también decae considerablemente el octosílabo (ocho sílabas) y no volverá a ser utilizado hasta finales del siglo XVI con el nuevo gusto por los romances.

Por su parte, el heptasílabo (siete sílabas), que se utilizaba en versos independientes, pasa a combinarse con endecasílabos en estrofas de origen italiano, como la lira, la canción o la silva.

En la poesía del siglo XVI el endecasílabo es el verso que más se cultiva, y por tanto el más abundante; la poesía culta posterior también se definiría en este sentido. Puede decirse que fue el heredero del hexámetro latino, siendo usado en composiciones tanto rimadas como en versos blancos (sin rima).


La temática
El amor es, sin duda, el gran tema de la poesía renacentista, aunque ya lo había sido en casi todas las épocas de la historia poética. No obstante, en este periodo la concepción que se tiene del amor cambia. El amor cortés provenzal tuvo su última consecuencia en la poesía de amor del petrarquismo, que situaba este tema en el centro de su poesía: un amor sin esperanza y bastante idealizado.


Los tópicos literarios
La lírica renacentista asume como temas principales la belleza, la contemplación idealizada de la naturaleza, y el amor no correspondido. Los tópicos que refieren estos temas parten de la idea convencional que previamente se tenía de la belleza o la naturaleza, inundando así la composición poética y pasando a ser parte fundamental de la misma. Así, son comunes los tópicos literarios del estilo "rubios como el oro" en relación a los cabellos de la amada, o "claros, brillantes, con luz propia" en cuanto a sus ojos.

El tópico más extendido es posiblemente el del paisaje bucólico, denominado Locus amoenus (en latín "lugar placentero"), que refiere un lugar idealizado, próximo al Edén en cuanto a sus connotaciones. El poeta utiliza estos tópicos para crear el ambiente adecuado para el desarrollo de una acción, una historia de amor, o la descripción de un estado de ánimo; ejemplo de tópico: "corrientes aguas, puras, cristalinas"...

Estrofa de una égloga de Garcilaso de la Vega que utiliza estos tópicos literarios:

Corrientes aguas, puras, cristalinas,
árboles que os estáis mirando en ellas,
verde prado, de fresca sombra lleno,
aves que aquí sembráis vuestras querellas,
hiedra que por los árboles caminas,
torciendo el paso por su verde seno:
yo me vi tan ajeno
del grave mal que siento,
que de puro contento
con vuestra soledad me recreaba,
donde con dulce sueño reposaba,
o con el pensamiento discurría
por donde no hallaba
sino memorias llenas de alegría.


Otros temas
El tema amoroso no fue el único tratado por los poetas del siglo XVI. A partir de la segunda mitad del siglo se cultivó ampliamente la poesía religiosa por poetas místicos y ascéticos, como San Juan de la Cruz, Santa Teresa o Fray Luís de León, que escribieron algunos de los mejores poemas de la poesía castellana partiendo de las formas y los tópicos renacentistas.

http://www.youtube.com/watch?v=NNJpgRIkoK0
http://www.poesi.as/siglxvi.htm

ARTE DE RENACIMIENTO

Renacimiento es el nombre dado a un amplio movimiento cultural que se produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes, aunque también se produjo una renovación en las ciencias, tanto naturales como humanas. Italia fue el lugar de nacimiento y desarrollo de este movimiento.

Desde una perspectiva de la evolución artística general de Europa, el Renacimiento significó una «ruptura» con la unidad estilística que hasta ese momento había sido «supranacional». Sobre el significado del concepto de Renacimiento y sobre su cronología se ha discutido mucho; generalmente, con el término «humanismo» se indica el proceso innovador, inspirado en la Antigüedad clásica y en la consolidación de la importancia del hombre en la organización de las realidades histórica y natural que se aplicó en los siglos XV y XVI.

Desarrollo

Históricamente, el Renacimiento es contemporáneo de la era de los Descubrimientos y las conquistas ultramarinas. Esta «era» marca el comienzo de la expansión mundial de la cultura europea, con los viajes portugueses y el descubrimiento de América por parte de los españoles, lo cual rompe la concepción medieval del mundo, fundamentalmente teocéntrica. El fenómeno renacentista comienza en el siglo XIV y no antes, aunque al tratarse de un proceso histórico, se elige un momento arbitrariamente para determinar cronológicamente su comienzo, pero lo cierto es que se trata de un proceso que hunde sus raíces en la Baja Edad Media y va tomando forma gradualmente.

Característica

vuelta a la Antigüedad

relación con la Naturaleza

Etapas del arte renacentista

La primera tiene como espacio cronológico todo el siglo XV, es el denominado Quattrocento

La segunda, surge en el siglo XVI, se denomina Cinquecento

Pintura

El rey Carlos I estuvo predispuesto al nuevo arte, paradójicamente llamado la manera antigua puesto que remite a la antigüedad clásica.

La pintura del Renacimiento español se lleva a cabo normalmente al óleo. Realiza interiores perfectamente sujetos a las reglas de la perspectiva, sin agolpamiento de los personajes. Las figuras son todas del mismo tamaño y anatómicamente correctas.

Escultura

La aparición del arte renacentista en España se consolidó casi un siglo después de los comienzos de este estilo en Italia. El quattrocento no existió como tal estilo renacentista pues predominaban todavía las formas y el gusto por el gótico. En el siglo XVI, el cinquecento italiano, aparecieron las primeras demostraciones, como consecuencia de las relaciones políticas y militares con Italia y bajo el mecenazgo y tutela de los reyes y de la nobleza. La escultura renacentista se hizo presente a través de tres vías distintas: Escultores italianos mandados llamar por los mecenas y que realizaron sus obras en España; obras importadas, procedentes de los talleres italianos; primera generación de artistas españoles.

Arquitectura
Arquitectura del Renacimiento o renacentista es aquella diseñada y construida durante el período artístico del Renacimiento europeo, que abarcó los siglos XV y XVI. Se caracteriza por ser un momento de ruptura en la Historia de la Arquitectura, en especial con respecto al estilo arquitectónico previo: el Gótico; mientras que, por el contrario, busca su inspiración en una interpretación propia del Arte clásico, en particular en su vertiente arquitectónica, que se consideraba modelo perfecto de las Bellas Artes.
Produjo innovaciones en diferentes esferas: tanto en los medios de producción (técnicas de construcción y materiales constructivos) como en el lenguaje arquitectónico, que se plasmaron en una adecuada y completa teorización.

http://www.aplicaciones.info/sociales/historia/histo23.htm

ARTE ISLÁMICO

Por arte islámico se conoce el estilo artístico desarrollado en la cultura generada por la religión islámica.

El arte islámico tiene una cierta unidad estilística, debido al desplazamiento de los artistas, comerciantes, mecenas y obreros. El empleo de una escritura común en todo el mundo islámico y el desarrollo de la caligrafía refuerzan esta idea de unidad. Concedieron gran importancia a la geometría y a la decoración que podía ser de tres tipos:

Caligrafía cúfica: mediante versículos del Corán.

Lacería: mediante líneas entrelazadas formando estrellas o polígonos.

Ataurique: mediante dibujos vegetales.

En arquitectura, crearon edificios con funciones específicas tales como mezquitas y madrazas, siguiendo el mismo patrón básico, aunque con diferentes formas. Prácticamente no hay arte de la escultura pero las realizaciones de objetos de metal, marfil o de cerámica, alcanzan con frecuencia una alta perfección técnica. Existe también una pintura y una iluminación en los libros sagrados y profanos.

Al-Andalus y la invasión musulmana del siglo VIII supuso un hecho diferenciador con relación al resto de Europa.

En España nace un arte islámico único e irrepetible: el arte andalusí o hispanomusulmán, que tiene en sus primeros siglos un representante magnífico: el arte califal.

Si bien es verdad que esta denominación, en sentido estricto, sólo debería aplicarse al periodo que va desde el ascenso al poder de Abderrahmán III hasta la disolución del Califato a comienzos del siglo XI, lo haremos extensivo a todo el periodo Omeya, es decir desde la subida al trono de Abderrahmán I en el corazón del siglo VIII.

Los tres monumentos más representativos del arte califal son la Mezquita de Córdoba, el palacio de Medina Azahara y la Mezquita del Cristo de la Luz (Toledo)

                                                                     Mezquita de Córdoba

                                                                    Medina Azahara

 

                                                       Mezquita del Cristo de la Luz de Toledo

http://almez.pntic.mec.es/~jmac0005/Bach_Arte/Teoria/Html/vocabulario5.htm

http://almez.pntic.mec.es/~jmac0005/Bach_Arte/actividades/ha_act_022.htm

EL ROMÁNICO

El origen del arte románico se sitúa en Francia e Inglaterra, siendo en Francia el país donde adquiere mayor desarrollo por lo que podría colocarse a la cabeza del estilo. La cronología abarcaría desde finales del siglo X hasta el XII, aunque en algunas zonas podría extenderse hasta el XIII.

La arquitectura románica

El Templo Románico es el monumento principal de la arquitectura
románica. Su planta suele ser de cruz latina, con una o varias naves
longitudinales: 1-3-5 y otra transversal o crucero. También hay templos con
planta de cruz griega y templos centralizados (baptisterios o iglesias octogonales

de templarios). Las cabeceras de las plantas longitudinales terminan en ábsides, normalmente
semicirculares, aunque el de la nave central suele ser mayor que los laterales. A veces se adosan
ábsides secundarios sobre los brazos del crucero o radiales sobre la girola o deambulatorio, nave
semicircular que rodea el ábside central por detrás.
 La nave central es más alta que las laterales lo que produce
al exterior un efecto volumétrico variado. El templo románico se
resuelve en un juego de volúmenes geométricos. Los muros
sobresalientes de la nave central se perforan por una banda de
ventanas que contribuyen a la iluminación del interior (esquema
típico de la planta basilical). Las naves laterales tienen en las grandes iglesias, dos pisos para
contrarrestar los empujes laterales de la nave central. Este segundo piso hace la función de tribuna y
tiene vanos abiertos a la nave central. Este conjunto de vanos de la tribuna se llama triforio y pasará
más esquematizado al Gótico.

La escultura románica.

El capitel románico está siempre decorado con figuras vegetales
o animales entrelazadas. También se recurre a los temas geométricos y,
de vez en cuando, se recurre a la figura humana. Son frecuentes las
figuras fantásticas, monstruos, dragones, etc, que además de desempeñar
un papel decorativo cumplen una función expresiva y simbólica:
atemorizar a los fieles, asociar el monstruo con el pecado, incluso con el pecador, hacer la religión
oscurantista y misteriosa. El capitel cumple, por lo tanto, con una función didáctica importante dentro
de la gran masa de analfabetos. La verdadera simbología iconográfica sólo era conocida por los
monjes, su relación con mitos, leyendas y creencias que hoy han
desaparecido por completo. Cuando los capiteles se decoran con
figuras humanas, el artista emplea escenas de tipo religioso extraídas
del Antiguo y del Nuevo Testamento o de las Hagiografías más
importantes. A veces se completa esta enseñanza religiosa con
alegorías sobre los pecados, los vicios, las virtudes, el destino, etc.

La pintura románica.

La pintura románica es igualmente decorativa. No se concibe como arte autónomo y no tiene
importancia en sí misma sino como ornamentación de paredes dentro del templo. Tiene su origen
directo en las miniaturas bizantinas que luego pasan a los monjes prerrománicos de la primera Edad
Media. Son miniaturas de manuscritos de donde el pintor románico extrae técnicas y temas. Él sólo
tiene que continuar esa tradición y traspasar los límites de la miniatura para realizar los murales al
fresco que decoraban la mayoría de los templos románicos.


La pintura es, como la escultura, de tipo simbólico y no se preocupa del
aspecto naturalista o estético de las figuras. La realidad no les interesa porque
tanto santos, como ángeles, como la figura de Cristo o la de la Virgen
pertenecen a un mundo platónico, el de las ideas, y no se parece en nada al real
o sensitivo. por eso la pintura utiliza la realidad sólo como soporte hacia el
mundo que hay por encima. Los personajes tienen casi todos las mismas
proporciones y gestos, son sólo figuras convencionales y colectivas.

http://www.arteguias.com/

http://www.romanicodigital.com/

LA POESÍA CORTESANA

En los dos primeros tercios del siglo XV la nobleza se reunía en palacios de reyes y grandes señores y centraba su actividad en el cultivo de las ceremonias cortesanas y de la poesía, como forma de evasión del desorden sociopolítico imperante.

La poesía cortesana castellana del siglo XV tiene su base en la poesía trovadoresca provenzal y desarrolla, fundamentalmente, el tema amoroso basándose en la ideología del amor cortés.

Los trovadores provenzales  crearon un arte refinado, difícil, sujeto a leyes rígidas en cuanto a la medida de los versos y la rima. Si te interesa saber más sobre los trovadores provenzales (y lees catalán), puedes consultar la página de la Cátedra Màrius Torres, de la Universitat de Lleida.

Jorge Manrique

Esta poesía se denomina también poesía cancioneril, esto se debe a que se encuentra recopilada en cancioneros, especie de antologías poéticas. Algunos constituyen auténticas obras de arte, pues están decorados con lujosas ilustraciones.

Uno de los Cancioneros más interesantes es el Cancionero de Baena. Si te interesa saber más sobre este tema, o te apetece investigar, puedes hacer clic sobre la imagen del primer folio del Cancionero, entrarás en el Portal Juan Alfonso de Baena, donde encontrarás información sobre el manuscrito y su contenido. Muy interesante, de verdad.


http://www.kalipedia.com/literatura-castellana/tema/literatura-prerenacentista/algunos-ejemplos-poesia-cortesana.html?x1=20070418klplyllic_146.Kes&x=20070418klplyllic_149.Kes

http://books.google.es/books/about/La_poesia_cortesana_del_siglo_XV_y_el_Ca.html? id=PF1dAAAAMAAJ&redir_esc=y

LA CELESTINA

La Celestina es el nombre con el que se conoce desde el siglo XVI a la obra titulada primero Comedia de Calisto y Melibea y después Tragicomedia de Calisto y Melibea, atribuida casi en su totalidad al bachiller Fernando de Rojas. Es una obra del Prerrenacimiento escrita durante el reinado de los Reyes Católicos

Existen dos versiones de la obra: la Comedia (1499, 16 actos) y la Tragicomedia (1502, 21 actos). La crítica tradicional ha debatido profusamente el género literario de La Celestina, dudando si clasificarla como obra dramática o como novela.


Contexto histórico y social
La Celestina se escribe durante el reinado de los Reyes Católicos, cuyo matrimonio se celebra en 1469 y alcanza hasta 1504, año de la muerte de Isabel la Católica, que ocupa la última fase del Prerrenacimiento en España. Durante esta unión dinástica de los reinos de Castilla y Aragón se produce en 1492 el descubrimiento de América, la conquista de Granada y la expulsión de los judíos, tres hechos de gran significado en la historia de España.


Autoría
Aunque el autor es Fernando de Rojas, existe cierta controversia en este punto, en parte inducida por el mismo autor. La obra no va firmada y Fernando de Rojas es el nombre que encontramos en el acróstico de los versos preliminares a la obra.


Género literario
El género de La Celestina es una cuestión polémica, que surge ya en el siglo XVIII cuando el problema del género se plantea. La inflexible preceptiva neoclásica apremiaba a encajar la obra en un modelo preexistente, pero los férreos moldes de los géneros dieciochescos imposibilitan ese propósito, lo que deterioró su consideración entre los idealizantes escritores del Neoclasicismo, como Moratín, que la llamó «novela dramática» para denotar la mezcla de géneros y la originalidad de la obra. Otro crítico y escritor, éste de la Renaixença catalana, Buenaventura Carlos Aribau, la llamó «novela dialogada».

Estructura

Prólogo: encuentro de Calisto y Melibea en la escena I.
Primera parte: intervención de Celestina y los criados y muerte de los tres. Primera noche de amor.
Segunda parte: tema de la venganza. Segunda noche de amor. Muerte de Calisto, suicidio de Melibea. Llanto de Pleberio.

acto I.................pecado
actos II–XIV........pérdida de la hacienda
actos XV–XVIII.....fama
acto XIX.............vida y alma
actos XX–XXI.......recapitulación.

http://www.iessierraalmenara.es/users/mo1025/celestina/celestina.html
http://www.cervantesvirtual.com/bib/bib_obra/celestina/

EL SIGLO XV

En la literatura del siglo XVIII se pueden diferenciar tres tendencias literarias: la clasicista o neoclásica, heredera del clasicismo desarrollado de forma simultánea al barroco durante el siglo XVII, y que continuó vigente a lo largo que casi todo el siglo XVIII, sobre todo en poesía y teatro; la ilustrada vinculada a la corriente filosófica e ideológica de la Ilustración y la Encyclopédie; y la prerromántica, que rechazaba la estética neoclásica anticipando el romanticismo del siglo XIX.


Marco histórico
El dato más relevante del siglo XVIII desde el punto de vista histórico es el auge de la burguesía, que si era una clase social incipiente ya en el periodo Renacimiento, es esencial cuantitativa y cualitativamente en el siglo XVIII. Sus causas principales son el "desarrollo del artesanado urbano", creciente gracias a la demanda de los artículos de consumo por parte de la nobleza y de la monarquía y el "desarrollo de la actividad mercantil", en especial del comercio marítimo. En los siglos anteriores las rutas por mar habían sido ya muy frecuentadas con las explotación de América y Asia por parte de España y Portugal, pero los nuevos tiempos están marcados por la hegemonía económica de Inglaterra y su expansión por ultramar. El incremento de la población en los puertos, gracias a su carácter de núcleo comercial, dio lugar a nuevas actividades económicas que reforzaron la nueva clase social en ascenso.


Neoclasicismo
El momento de esplendor de la tendencia clasicista se remonta a finales del siglo XVII, pero sus influencias llegarán a la literatura ilustrada. Su estética se encuentra sintetizada en La poética de Boileau, publicada en 1674, y se basa en un sentimiento filtrado por el intelecto y en una referencia a "los antiguos" como clásicos dignos de imitación. Se niegan también los excesos del barroco y del rococó. En el teatro domina la regla aristotélica de las tres unidades: espacio, tiempo y acción, que limita cada espacio de acción a un sólo lugar y a un sólo día, mientras que en la poesía se impone el verso alejandrino de catorce sílabas, y formas clásicas como la fábula, la elegía y la égloga. Mas es precisamente en el siglo XVIII cuando las reglas clásicas son discutidas, coincidiendo el triunfo del neoclasicismo en las artes plásticas con su decadencia en la literatura.

Características sobre el contenido

Predomina la razón ante la emoción, imaginación y sensibilidad.
El carácter de las obras literarias es impersonal y colectivo, civil y moral.
La literatura tienen un fin útil para el hombre, pudiendo ser didáctico, moral o social. De ahí que se cree en Francia la Encyclopédie. El Emilio de Rousseau es además de una novela, un tradado de educación.

http://www.rinconcastellano.com/edadmedia/

http://www.emagister.com/curso-literatura-medieval-espanola-generos-autores/transicion-renacimiento-literatura-siglo-xv

EL ROMANCERO

A) Introducción
Los romances son poemas épicos o épico-líricos, casi siempre breves, compuestos originariamente para ser cantados o recitados al son de un instrumento.

Los romances más antiguos son de finales del siglo XIV y principalmente del siglo XV. Se llaman romances viejos y pertenecen a la literatura popular y tradicional con todas sus características de transmisión oral, anonimia, variantes, etc.

A partir del siglo XVI hasta finales del XVII, muchos poetas cultos - Cervantes, Lope de Vega, Góngora, Quevedo,. - componen también romances, a los que se les da el nombre de romances nuevos o artísticos que amplían y renuevan el contenido temático y los recursos formales. Durante el Romanticismo y en el siglo XX se conocerá una nueva floración de este tipo de romances cultos - Duque de Rivas, Zorrilla, Antonio Machado, Unamuno, Gerardo Diego, García Lorca, Alberti.

B) Origen
Según la teoría más admitida, los romances más viejos proceden de ciertos fragmentos de los antiguos cantares de gesta, especialmente atractivos para el pueblo, que los retenía en la memoria y después de cierto tiempo, desgajados del cantar, cobraban vida independiente y eran cantados como composiciones autónomas con ciertas transformaciones.

Más tarde, los juglares, dándose cuenta del éxito de los romances tradicionales, compusieron otros muchos, no desgajados de un cantar, sino inventados por ellos, generalmente más extensos y con una temática más amplia.

C) Estilo
Desde el punto de vista estilístico, el Romancero manifiesta una gran sencillez y sobriedad de recursos: descripciones parcas y realitas, casi total ausencia de elementos fantásticos o maravillosos, escasez de adjetivos y metáforas. A pesar de ello se consigue una extraordinaria viveza narrativa y los más variados efectos poéticos.

http://roble.pntic.mec.es/msanto1/lengua/1romance.htm

http://depts.washington.edu/hisprom/espanol/

ARTE ROMANO

COLISEO ROMANO ITALIA 

El arte romano, al igual que su arquitectura e ingeniería, se extendió, como su imperio, a lo largo y ancho del perímetro del Mar Mediterráneo, siendo uno de los principales exponentes de la avanzada civilización romana.

El arte romano hunde sus raices en diversas influencias, especialmente del mundo etrusco y del griego.

La fuerte organización y personalidad del Imperio Romano exige un arte y una arquitectura que aúne el carácter funcional con el propagandístico. De esta forma nace un arte muy centralizado y unitario que abarca todo el imperio, no sólo Roma sino, en mayor o menor medida, a todas su provincias.

pintura ponpella 

No cabe duda que el arte romano es la manifestación artística más significativa de la historia del mundo occidental, ya que su influencia nunca se ha dejado percibir a lo largo de los muchos siglos desde su desaparición en toda Europa. No ha habido momento histórico (quizás el gótico es el arte y arquitectura más alejada del canon romano) que no haya sufrido en mayor o menor medida su influencia.

El Arte Romano tiene su principal manifestación en la arquitectura, tanto religiosa, como civil. pero otras manifestaciones de primer orden son su magnífica escultura y en menor medida la pintura.


El mosaico es otra de las artes más brillantes del mundo romano.

Las villas tardorromanas tuvieron frecuentemente sus suelos cubiertos por hermosos mosaicos con figuras geométricas, escenas de caza, mitológicas, etc.

http://pompeya.desdeinter.net/index.htm
http://www.pompeiturismo.it/index.php?option=com_expose&Itemid=47&lang=es